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    全真樂隊的錄製，有兩種常用的方法和一種不常使用的方法。
    一種樂器接著一種樂器單獨的彼此互不幹涉的分軌錄製；一種樂器在其他樂器的配合下分軌錄製--這兩種都是常用的方法，葉梓為“白玉蘭樂隊“錄製專輯使用的就是後麵這一種方法。另外一種不常使用的方法在幾十年以前其實是最常見的錄製方法，那就是整支樂隊一起進行同步錄製。最早的時候錄製出來的是單聲道音樂製品，後來進步成雙聲道的立體聲音樂製品，全都是一次性錄製完成。到了現在隨著科技的不斷進步，進行這種同步錄製的時候已經同樣可以做到讓每種樂器都能分軌錄製，當然也可以不分軌，就看專輯的需要和錄音師的設想安排。
    這三種方法各有優劣。
    像上一次“白玉蘭樂隊”為葉梓錄製《同桌的你》，葉梓使用的就是第一種方法，一種樂器單獨錄完了那就完事兒了，接下去其他樂器分別一一進行錄製，彼此之間互相並不幹涉。這種方法的好處是每一種樂器都能精心錄製，不會有模糊不清的麵貌出現，但是成品聽上去就不會有樂隊的那種整體感覺。就算後期製作的時候精心修正，還是會讓人聽出一些不自然。使用這種方法錄製單純的歌曲伴奏沒有任何問題，因為歌曲的主體是歌手的演唱，樂隊起到的是伴奏作用，對於整體性的要求不是那麽高。
    但是使用這樣的方法錄製樂隊作品，那就會比較欠妥。
    在樂隊作品當中，演唱並不屬於作品的主體，它隻是作品最直接的那個“說”而已，更多的更深的內容其實隱藏在每一種樂器的演奏裏麵。樂隊作品當中使用的每一種樂器都有它必然存在的重要性，基本上屬於無可替代，而且各種樂器相互之間還會彼此影響，牽一發動全身。如果使用第一種方法進行錄製，所有樂器之間的聯係都是隱隱割裂開來的，那就很難形成“一支樂隊”這樣的統一感覺，對於一首樂隊作品這就是徹頭徹尾的失敗。
    所以錄製樂隊作品的時候，沒有哪一位錄音師會選擇第一種方法進行錄製，最常使用的就是葉梓現在使用的第二種方法。
    ……
    按道理說，樂隊作品最應該使用的就是整支樂隊（包括演唱在內）一起進行的同步錄音，那樣錄製下來的整體感覺和現場感覺、即興感覺（例如爵士歌曲就要求歌手的即興發揮）等等都會是最出色的，這就有點像錄音棚裏進行的現場演唱會。不過這樣的方法不僅要求錄音設備要達到一定的等級要求，而且對於樂手、歌手以及錄音師都有極高的要求，演奏演唱水準、錄音技術要求、彼此之間的默契程度等等全都缺一不可，稍微有點差錯、比如說演唱走音之類，這一遍的錄音就得全部推倒重來。
    在節奏越來越快、商業氣息越來越濃鬱的現代社會，這樣的方法耗時費力而且投資巨大--想象一下邀請一支十五人規模的弦樂團十天半個月（可能還不止）跟著進行錄音，就知道使用這種方法的費用有多大了。而普通歌迷卻又並不能完全分辨其中的奧妙，那當然就會被逐利而行的唱片商們漸漸舍棄。偶爾需要打廣告標榜自己的實力的時候，才會拿出來使用一下。
    沒辦法，這就是現狀，所以我們隻說第二種最常用的方法，就拿現在陷入僵局的黃智健的錄音來舉例子。
    葉梓錄製黃智健的主音吉他，按照這種方法那就是這樣安排：黃智健在單獨的錄音室裏獨自演奏，葉梓在外麵進行分軌錄音，楊正明、老戴這些樂手就在其他的錄音室內為黃智健進行現場“伴奏”。
    因為在錄音的時候就像平時的排練和演出一樣，有自己的隊友同時進行演奏，所以使用這種方法進行錄製的作品各種樂器之間的聯動感覺、協作感覺都會大大增強，樂隊的整體感會非常突出。
    這是錄製樂隊作品最需要的特點之一。
    但是這樣的錄製就有一個問題，那就是所有的樂器最好能在一天之內全部錄製完畢。大家都知道錄製人聲的時候最好能在一天之內全部錄完，而不能今天錄一點，明天再錄一點，那樣會造成整首歌曲的不協和。因為歌手每天的嗓音狀態不同會導致音色上的變化，雖然同一個歌手的音色變化並不會非常明顯，但是前後拚接在一起，資深的歌迷一下子就能聽出歌曲拚接的痕跡。普通歌迷就算耳力不夠聽不出來其中的不同，但是在感覺上也會覺得有點不太對勁兒。
    這是基本上稍微資深一點的歌迷都能知道的事情，其實錄製樂器也是一樣的道理。
    就說電吉他好了，今天演奏的時候，電吉他的調弦緊一點，同樣音高下電吉他的聲音就會稍微偏亮偏尖一點；明天調弦鬆一點，音色就會偏柔和偏沉穩一點，這就是不同。
    這樣的不同放在歌曲伴奏裏麵，精心修飾之後還能蒙混過關，但是放在樂隊作品當中，樂器演奏占據了很大部分比例，也是錄音師重點調整的部分，那是無論如何都無法混過去的。
    那麽，在一天之內完成錄音就成為了必然，否則那就要重頭再來。
    ……
    有人會問，既然這樣，那就把每一種樂器最好的演奏保留下來拚接在一起，那不就行了？這個嘛……還是那句話，放在歌曲伴奏裏麵這是可行的，放在樂隊作品裏那就行不通了。
    前文就已說過樂隊作品的錄製最講究整體性，上述那種把最好的演奏拚在一起的做法，是沒有辦法保證整體性的，因為每一次的“最好演奏”所處的同伴情況並不相同。還是以電吉他舉例，對於同樣的一首有時候電吉他的聲音更衝一點算是最好的演奏，但是也有時候電吉他的聲音就要柔和一點才能達到最好演奏的標準，這是根據其他樂器的情況不同得出的結論。其實如果真要深究下去，就算是在一天裏麵，每一次的演奏情況也都有些許微弱的不同，不過那樣要求的話那就隻有同步錄音這一條路可以走了。大致來說，一天之內樂器音色的微微變化、樂手狀態的稍稍起伏，這都還是在可以忍受的範圍之內。
    所以……上麵所說的這種拚接的做法是行不通的，這麽多“最好的演奏”放在一起，搞不好反而會弄出來一個極其糟糕的成品版本，偷雞不著蝕把米。
    不過這種事情在唱片行業也的確是屢見不鮮，這世上絕不缺少這種“聰明”的懶人。這樣的做法非常有效的降低了成本，在同等銷量的情況下他們就能賺到更多的利潤。
    從商業上來講他們的確是賺到了，但是……精品、經典這些詞語也將永遠與他們無緣。
    ……
    所以……經過上麵的分析，楊正明心裏的怨氣也就非常清楚了。正像老戴說的那樣，好不容易大家都拿出了上佳的演奏狀態，這首作品也已經完成了四分之三的工作，如果因為黃智健的不在狀態而導致今天的錄音不得不再一次放棄，那就真的是太可惜了。
    楊正明的發作就是基於這樣的事實。
    而且黃智健已經在十天之內連續第四次沒能調整好自己的演奏狀態，不要說楊正明這個一點就著的“大炮”了，恐怕就連黃智健的小弟“小老鼠”鄒成的心裏也會不無微詞的吧。
    黃智健被老戴捉住了痛腳，他還真不能再多說什麽，隻能麵紅耳赤的聽著。
    這本來就是他的問題。
    “好了好了，老黃和老楊稍微休息一下，等會兒我們繼續再來。”葉梓出來打了個圓場。
    “沒問題，我現在就可以再來。”黃智健連忙應聲說道。
    他現在真的想立刻鑽進錄音室裏，省得麵對這樣的尷尬。
    “那……老楊？”
    “走吧，現在就去。”楊正明非常幹脆的向著錄音室走去，剛走了兩步，他又停住了腳步，轉過身來：“阿三，我剛才仔細聽了你的演奏，前麵一整段都還不錯，就是從間奏solo開始你有點冒了衝了，等會兒你注意一下後半段的控製。”
    “嗯嗯，阿三阿哥，後麵半段稍微往裏收一點就好了。”這會兒事情過去，“小鈴鐺”也敢再次說話了。
    黃智健默默的點了點頭。
    ……
    當天晚上，“白玉蘭樂隊”第一張專輯的最後一首歌曲終於錄製完畢。雖然黃智健的主音吉他還是沒有拿出足以跟楊正明、老戴他們相媲美的令人信服的上佳表現，不過總算也是達標了。
    這讓黃智健尷尬了好長一段時間。
    好在黃智健的演唱維持了一直以來的高水準，算是替他挽回了一點分數和麵子。
    因為主音吉他的緣故，這首原本可以成為這張專輯代表曲目（不是“主打歌”）的作品，隻能成為後人評述當中的那首著名的“四分之三經典”。
    真是可惜了啊。
    (未完待續。)