時代在進步。
    社會上的方方麵麵並不是一成不變，而是不斷在變化。尤其是經濟高速發展，科技日新月異的最近三十年。
    最近百年來的人類文明“厚度”，超過此前數千年。
    最近三十年的發展與變化又遠遠超出了之前七十年的總和。
    kpop的編曲變化也是。
    從技術上來說，二十年前是“合成器模仿”而如今是“數字聲景建構”。
    二十年前受限於數字音頻技術，編曲多依賴硬件合成器如roand、k）的預製音色，節奏組以電子鼓機tr808909）為主，旋律線條強調“塑料感”電子音效如boa《no.1》中的合成器音色），整體聽感偏向“遊戲廳電子樂”的機械感。
    而如今通過da數字音頻工作站）主導?：通過abeton ive、ogic pro等軟件的無限音軌疊加和自動化控製，構建多層次動態聲景如aespa《savage》中機械呼吸聲與gitch音效的立體空間化處理）。
        從節奏架構上來說，是從“線性律動”進化到“量子化切分”。
    二十年前?的編曲，強調規整的44拍框架，副歌常采用“八拍子強推進”如李孝利《10 inutes》的機械式節奏），橋段多使用程式化的breakdon如鋼琴或弦樂過渡）。
    而在當下則采用複合節奏雜交?：將trap的tripet fo如backpink《shut don》）、afrobeats的off》）進行數學化重組。
    ?這是一種微觀節奏革命?，在毫秒級時間軸上插入stutter編輯如stray kids《aniac》中人聲切片與hihat的0.1秒錯位），製造神經突觸般的聽覺刺激。
    他的和聲邏輯也從“安全進行”轉變為“危險美學”。
    ?二十年前?遵循經典流行和聲體係如ivviiv循環），轉調手法保守如東方神起《hug》中僅通過弦樂滑音過渡調性）。
        ? 展現出如今的和聲暴力美學?，故意製造不協和音簇如ateez《guerria》副歌中合成器與管樂的對撞），利用sidechain壓縮製造“呼吸感窒息”如ice《set e free》的drop段落）。
    現場演唱或者說錄音棚的演唱也區別很大。
    主要是聲音的空間處理也完全不一樣了，從“平麵聲場”到“元宇宙聲學”?。
    ?二十年前?的混音層次簡單，人聲與伴奏常處於同一聽覺平麵如fin.k.《永遠的愛》中的人聲與鋼琴平衡混響）。    可以說同樣是音樂，同樣是kpop，二十年前與如今已經完全變樣。
    那為什麽還會有人依舊是喜歡二十年前的音樂，覺得如今的音樂都是狗屎，壓根不堪入耳呢？
    對於這樣的說法首先不能排除，比如二十年前的某些音樂作品如今聽來依舊悅耳動聽，一如國產電子樂的代表巔峰《雲宮迅音》。
    雖然是上世紀八十年代的作品，至今已經四十多年，但如今的觀眾聽起這首歌曲來依舊振奮，激動。
    但是，哪怕是《雲宮迅音》，無論是《黑悟空》版本，還是各種網絡演出版本都是在如今的音樂體係下重新編排，重新啟用管玄樂隊或者民樂隊伴奏，重新包裝過的，跟四十年前的簡單電子音不是一回事。
    其實這樣的現象很好理解。
    時代在變化，而你的審美在二十年前已經形成並且固定，對日新月異的新鮮玩意接受程度不如年輕人，導致了你對如今某些作品的無甚好感。
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    但音樂作品每年都有佳作。
    雖然夏浩洋自己也是更喜歡十多年前的kpop作品，但他在搬運音樂作品時會考慮到年代性跟風格的多樣性，會多方麵的選擇。
    “夏老師？夏老師，現在該您點評了。”主持人何老師笑眯眯的在提醒。
    “啊，對不起，剛才聽歌聽入迷了，還在回味呢。”夏浩洋為自己的走神隨便編了個理由，清了清喉嚨，看著台上的a班九名少女笑著說：“你們真的很出色，從這首作品的演唱與舞蹈中能看到你們的狂放不羈與野蠻性感，你們就是這檔節目中最出色的學員，任何風格的作品都能駕馭，要不直接點，就你們九人一起出道吧。”
    夏浩洋的直爽態度得到了現場觀眾的呼應，大家都在喊：出道~出道~。
    其實不僅僅是夏浩洋，每一位導師都對a班九人讚譽有加，幾乎誇出了花來。
    是她們的表現真的就如此完美？
    造勢！
    雖然節目組沒有跟幾位導師協商應該如何具體去點評學員，但之前跟各位導師包括各個音樂公司代表開過內部會議，權衡了各方利益，已經確定了大致出道人選，而如今的a班九人就是符合各方利益的最佳選擇。
    因此，夏浩洋以及各位導師當然會不惜餘力的去誇獎跟稱讚，用專家的評語去影響觀眾的投票。
    這是作假。
    但比起用代碼或者程序直接修改觀眾投票結果這樣的行為，這樣的作假方式還算有道德底線。
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